Valentina Gelain es la ganadora de la quinta edición de exibart prize
En segundo lugar encontramos a la nueva incorporación Antonella Zito, mientras que en tercer lugar se confirma Xinhan Yú.
A los 10 finalistas hay que reconocerles el mérito de haber conjugado un proyecto artístico de calidad con una presencia en el mundo del arte sólida y sostenida en el tiempo. Demostrando que el oficio del arte necesita perseverancia, profesionalidad y estrategia.
El jurado, que disponía de 605 puntos, también este año tiene dificultades para converger en pocos nombres y nos devuelve una clasificación muy corta, en la que entre la primera y la última posición la diferencia es de solo 14 puntos, con una distancia máxima entre una posición y otra de 4 puntos. Esto significa que la altísima calidad de todo el grupo de finalistas ha hecho difícil la elección de unos pocos nombres.
Entre las consideraciones que cabe hacer, digamos ante todo que, de los diez artistas clasificados, 5 ya estaban presentes en la lista corta de la edición anterior. Es más, en el podio tenemos la confirmación de Gelain, que desde el segundo puesto del año pasado conquista la victoria, y de Yú, que revalida su tercer puesto del año pasado. Única sorpresa: la llegada a la segunda posición de la nueva incorporación Antonella Zito, que convence desde el primer momento a un concurso que cada vez confirma más su voluntad de premiar la trayectoria por encima del lenguaje. Están representados todos los medios contemporáneos, con una interesante recuperación de posiciones de la pintura.
A continuación, la clasificación de los 10 primeros
- Valentina Gelain
- Antonella Zito
- Xinhan Yú
- Fabrice Bernasconi Borzì
- Tina Sgrò
- Plurale
- Samuel di Blasi
- Luciano Sozio
- Stefano Cescon
- Jacopo Dimastrogiovanni
Valentina Gelain
Valentina Gelain nació en Feltre en 1992 y actualmente vive y trabaja en Ostrobotnia, Finlandia.
Mediante la experiencia subjetiva y la introspección, Gelain indaga cuestiones relativas al existencialismo humano, bebiendo directamente de la esfera mental y emotiva, simbólica y onírica.
Gracias a una apertura plural de percepciones se exploran distintos temas de investigación, como los conflictos interiores, los paisajes mentales y la redención, a través de una sinergia entre forma y contenido, entre imagen e intención.
Su análisis se funda en la práctica del (intra)enfrentamiento, de la apertura y del diálogo, e intenta derribar barreras, alcanzar y tocar al otro mediante reflexiones íntimas y experiencias genuinas, dando espacio a partes invisibles de nuestro ser que a menudo siguen siendo rechazadas con indiferencia e incomprensión; y recuerda recursos libres del pensamiento y el conocimiento del otro partiendo de nosotros mismos.
Tendiendo un hilo entre conciencia e inconciencia, entre visión y figuración, el equilibrio oscila entre la indagación introspectiva y la búsqueda de un equilibrio empático. Aceptar el malestar para un verdadero cambio, en un recorrido voluntario y activo que conducirá a distintas catarsis del ser y, en consecuencia, a cómo podemos (co)existir en la realidad.
Artista interdisciplinar, Gelain explora sujetos y figuraciones a través de distintos lenguajes y medios de comunicación, que pueden ayudar a restituir del mejor modo su visión de la obra.
Antonella Zito
Soy Antonella Zito, tengo 36 años, soy de origen puglés y vivo en Breda, en los Países Bajos. Soy diseñadora gráfica publicitaria, fotógrafa y video maker. Mis temas artísticos se inspiran en la psicología y en todo lo que parte del individuo, hasta llegar a contextualizarlo en la sociedad y en el entorno. Mis fotografías pertenecen al género de la «Staged Photography», en el que, mediante el cuidado del mínimo detalle, recreo situaciones vividas, ambientes y personajes narrados con un enfoque introspectivo, vuelto hacia el exterior. También en el videoarte me baso en los mismos principios de la fotografía, en los que a menudo lo real y lo surreal se funden. Mis trabajos se han expuesto y proyectado en galerías, fundaciones, museos y festivales de Italia y de Europa.
Xinhan Yú
Xinhan Yú (Nankín, China, 1996)
Se licenció en Pintura y Artes Visuales en el Curso de Especialización Bienal en Artes Visuales de la Academia de Bellas Artes de Bolonia en 2022. Actualmente reside en Bolonia.
En las intervenciones de Yú hay siempre un gusto por el espectáculo, el humor y lo grotesco, y sus provocaciones resuenan con la juventud china; esconde ironía y metáforas en su trama imaginaria, coqueteando con los problemas de la sociedad china de la nueva era de un modo crudo pero lúdico. El deseo de venganza, la necesidad de actuar y el deseo de eludir un sistema que oprime e inhibe son las motivaciones que estimulan las obras de XinHan Yú, un artista de origen chino que utiliza distintos medios como instrumento de crítica social; un medio para exhumar una memoria, personal y colectiva, de una realidad que necesita ser sacada a la luz. Su práctica actual gira en torno a las estructuras de poder y a las instituciones de la violencia.
Fabrice Bernasconi Borzì
Fabrice Bernasconi Borzì es un artista italo-suizo, nacido en Ginebra en 1989. Desde 2018 vive y trabaja en Catania.
Este traslado es para el artista una especie de viaje de regreso, inverso al que han emprendido tantos otros coetáneos suyos: en el paso del norte al sur de Europa intenta recuperar una alteridad cultural, propia de los lugares de origen, funcional para su trabajo de artista. Este dualismo nacional y existencial, esta doble ciudadanía, con la contradicción que conlleva, se sitúa en la base del equilibrado conflicto de fuerzas que su obra pretende expresar.
Los elementos formales que utiliza son, la mayoría de las veces, simples, mínimos o despojados de potencia, casi para subvertir lo «habitual» mediante un lenguaje paradójico y en ocasiones provocador, de matriz dadaísta, que no desdeña la cita ni la recuperación. La intención es clara, porque desarrolla una serie de preguntas sobre el sentido mismo del «hacer», sobre sus presupuestos conceptuales implícitos y sobre cómo se interpreta todo esto dentro del sistema actual del arte. A partir de estos presupuestos emprende una reflexión sobre los seres humanos y sobre su alienación de la existencia, en una dicotomía que recoge políticamente la tradición del conflicto entre fuerzas productivas y sociales, frente a los poderes hegemónicos y capitalistas.
Tina Sgrò
Tina Sgrò nace en 1972 en Reggio Calabria, donde madura su trayectoria didáctica y formativa. Sus inclinaciones artísticas emergen desde la primera infancia. Frecuenta el Instituto Estatal de Arte de Reggio Calabria y da inicio a un recorrido artístico y emocional que será importante en su vida de mujer y de artista.
Obtiene después el diploma de Pintura en una Academia de Bellas Artes italiana con 110/110 y matrícula de honor, e inicia su trayectoria artística con la participación en prestigiosos concursos de pintura y en numerosas exposiciones colectivas.
plurale
plurale es una forma colectiva de presencia en el mundo que se manifiesta como conjunto abierto. De junio de 2020 a marzo de 2022 se expuso con el nombre de Collettivo Plurale; después ya no sintió la necesidad de presentarse como autor, con un nombre y un apellido, porque plurale, antes de ser un colectivo artístico, es una reacción, una forma de pensamiento y, por tanto, un modo de actuar. plurale es fruto de la necesidad de sentirse parte del mismo ser-ambiente; por eso mira allí donde hay una división e intenta suturarla.
plurale es un concepto.
Nace en 2020 y se presenta como colectivo artístico osmótico, cuyos activadores de base son Leonardo Avesani (Verona, 1997) y Chiara Ventura (Verona, 1997). Explorando, a través de la práctica artística, una forma empática de existencia, plurale trabaja sobre las fisuras que encuentra en lo cotidiano, con especial atención al lenguaje, a las formas de violencia y a cómo la generación a la que pertenecen sus miembros (Generación Z) se sitúa en el mundo.
En 2022 publica Gesto empatico, una declaración poética que afirma su estar en el mundo, donde se sostiene la acción empática como el único medio hoy practicable para devolver a los seres y a las cosas iguales derechos y dignidad. plurale ha activado una práctica transfeminista en el intento de desmoronar una visión heteronormativa del cuerpo y descolonizar el deseo, observando la sexualidad y el placer como espacios políticos.
Samuel Di Blasi
Samuel Di Blasi es un artista italiano nacido en 1975 en Alba.
Se formó en la escuela de Escultura de Riccardo Cordero en la Academia de Bellas Artes de Turín y en Londres, en 1999, perfeccionó su lenguaje artístico en el estudio del escultor japonés Noriaki Maeda.
En 2015 realizó «Lo Scalatore di Nuvole», una exposición individual en el Museo Nacional de la Montaña de Turín;
ganó en 2016 el Premio Nacional de Arte «Ora» y en 2018 realizó «Sognando Sogni», exposición individual en ADD-Art Gallery de Spoleto.
En 2021, en París, la Galerie Géraldine Banier expuso algunas de sus obras inspiradas en el vínculo entre el ser humano y la naturaleza durante la exhibición «For a better world».
Luciano Sozio
La práctica artística de Luciano Sozio se arraiga en una proyección minuciosa y precisa. Cada una de sus obras nace, de hecho, de un proceso de investigación que parte de un atento estudio de los materiales y de la elaboración de los pigmentos utilizados. Un proceso calibrado y preciso, a través del cual el artista explora el sentido de precariedad que acompaña toda la existencia y el misterio que la rodea. El medio pictórico se convierte así en un lenguaje poético, que se abre paso entre las dimensiones de sus trabajos, suspendido entre el silencio tranquilizador y la inquietante espera. De sus sujetos emergen huellas de nuestro presente, inmersas en una pausa a media altura, cargada de tensión, que congela un momento en el que parece que algo está a punto de suceder: un acontecimiento que, en el intervalo de ese instante, amenaza con romper la simetría de los fenómenos. En cada una de sus obras, la belleza toma aliento y aflora a través de la fragilidad intrínseca de todo lo que existe.
Stefano Cescon
La investigación artística me ha llevado a reflexionar sobre el papel de la naturaleza y del tiempo: desde la materia símbolo de esta práctica (una mezcla de ceras purísimas) hasta la elección de los pigmentos naturales, tierras o minerales.
Este aspecto hace que todo el trabajo sea receptivo y absorba los «sismos» que proceden de condiciones externas durante la ejecución, como el lugar y el ambiente en el que opero.
Esta acción metapictórica se transforma entonces en una reinterpretación personal de estas sugerencias y adopta los rasgos típicos de un rito cotidiano, una deposición de pensamientos que se superponen en un tiempo suspendido.
Lo que me interesa expresar es un delicado equilibrio entre lo poético y lo material; este se hace portavoz de una historia sedimentada a lo largo del tiempo: como las páginas de un gran libro que contienen en su interior tanto la orogénesis de un relieve montañoso como una memoria pictórica constitutiva de nuestra identidad.
El resultado es un cuadro hecho de matices de color, un elemento que ya en su definición es difícil de comunicar. Como en la música, cuando intentamos definirlo chocamos con los límites de nuestro lenguaje, porque el color en la naturaleza es una transición y es fundamentalmente asimilable al tiempo, al no actuar en el aquí y ahora.
Este «fluir» de mi práctica, como un ritmo sugerido por las mareas del material, hace que cada obra sea secuencial respecto a la otra: de este modo se evidencia una narración orgánica (tanto metafóricamente como en los hechos) en la que cada trabajo representa idealmente una célula de un sistema más vasto y potencialmente infinito.
Las reglas de diferencia y repetición propias de la naturaleza son comunes y están en la base de mi investigación: es interesante observar cómo un proceso basado en estas normas simples produce un «organismo» complejo dado por la variedad de matices causada por la réplica de un esquema.
Cada experiencia lleva consigo los frutos de la anterior, siguiendo así una escala infinita.
Jacopo Dimastrogiovanni
A través de la pintura pretendo desarrollar una reflexión sobre el Hombre, con el fin de indagar las razones y los efectos de las inquietudes que lo caracterizan y que atormentan su propia naturaleza.
He colaborado con galerías en Italia y en el extranjero, entre ellas Mondoromulo Arte Contemporanea (Castelvenere – BN), Zaion Gallery (Biella), ISOLO17 (Verona), D.Gallery y CRAG (Turín), Galleria Pugliese Arte (Florencia), Galleria Il Castello (Trento), Anywhere Art Company (Nápoles), Molesworth Gallery (Dublín, Irlanda).
Tras la experiencia en la 54.ª Bienal de Venecia (Pabellón de Italia, Turín), en 2013 fui invitado a exponer en el MART – Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, en el marco de la muestra In risonanza. Istantanee di creatività nel cervello, comisariada por Francesca Bacci y Gabriele Lorenzoni. En 2015 presenté mi trabajo en el St James Cavalier Centre de La Valeta (Malta) con motivo del proyecto Afterselfie – beyond masks, comisariado por Carolina Bortolotti. En 2019 gané el Premio Residencia en el Artkeys Prize, gracias al cual al año siguiente realicé una individual en el Castillo Angevino-Aragonés de Agropoli (SA). En 2022 fui seleccionado entre los finalistas del Arte Laguna Prize 21-22 y expuse al año siguiente en el Arsenale de Venecia. En 2024 fui incluido entre los finalistas del Exibart Prize N.4.
Desde 2014 soy profesor de pintura y dibujo en Trento, ciudad en la que vivo y trabajo.
