Los ganadores de 2020

1.er clasificado: Emilio Vavarella

Emilio Vavarella (Monfalcone, *1989) es artista e investigador en la Harvard University, donde está realizando un doctorado en Film, Visual Studies y Critical Media Practice. Vavarella ha estudiado en la Universidad de Bolonia, la Bezalel Academy de Jerusalén, la Bilgi University de Estambul y el Iuav de Venecia. Su trabajo conjuga investigación interdisciplinar y experimentación medial, y examina la relación entre subjetividad, creatividad no humana y poder tecnológico.

2.º clasificado: Giovanni Chiamenti

«Mi investigación parte de la observación y de la escucha del paisaje. Uno de mis objetivos es profundizar en la relación entre el ser humano y la naturaleza creando un desequilibrio perceptivo, alterando el punto de vista», así cuenta Giovanni Chiamenti su trabajo. «El proceso consiste en distanciarse progresivamente del objeto, eliminando gran parte de las coordenadas espaciales y manteniendo solo las huellas necesarias para captar el aura del elemento originario», continúa el artista nacido en Verona en 1992. Tras los estudios en la Academia de Brera y un Exchange Program en la Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles, Chiamenti ha expuesto en el spazioSERRA de Milán y próximamente lo veremos en la Galleria Giorgio Marrocco de Nápoles.

3.er clasificado: Edson Luli

Edson Luli nació en Escútari, en Albania, en 1989 y actualmente vive y trabaja en Milán. Es licenciado en Nuevas Tecnologías del Arte y en Cine y Vídeo en la Academia de Bellas Artes de Brera. En su práctica usa distintos medios, del grabado a la fotografía, del cine a las instalaciones, buscando redefinirlos e hibridarlos. La investigación de Luli se sitúa en una intersección entre ontología y epistemología, para indagar la relación que se crea entre el observador y lo observado y cómo estos se influyen y dependen recíprocamente. Sus obras se han expuesto en espacios internacionales públicos y privados, entre ellos, recientemente, en la Prometeo Gallery Ida Pisani y en el Palazzo Reale de Milán, con motivo del Premio Cairo XX.

4.º clasificado: Maziar Mokhtari

Nacido en Isfahán, en Irán, en 1980, Maziar Mokhtari ha estudiado en la Academia de Bellas Artes de Roma y actualmente trabaja entre Italia e Irán. Para Mokhtari el arte es un antídoto para derribar cualquier barrera, un arte que vive y se mimetiza en los límites y en las fronteras, para cumplir su capacidad revolucionaria de arrojar el velo y, por tanto, de descubrir. «Mi investigación visual nace del descubrimiento por parte de un viajero que vuelve a visitar su ciudad natal (Esfahan) y observa el momento en que el color amarillo se manifiesta en los muros», explica el artista. «La memoria se entiende como valor fundacional de la existencia, la base cultural y humana a través de la cual emprender cualquier viaje». Entre sus exposiciones, en la galería Dino Morra Arte contemporanea de Nápoles y en las Emrooz Gallery de Isfahán, mientras actualmente una individual suya está abierta en la O’ Gallery de Teherán. Sus obras se han expuesto también en el Museo Archeologico di Lampedusa, en el Macro de Roma y en la Triennale di Milano.

5.º clasificado: ex aequo Fabrice Bernasconi Borzì, Francesco Fossati, Alina Vergnano

Fabrice Bernasconi Borzì es un artista visual, ítalo-suizo nacido en 1989 en Ginebra, ciudad donde realizó sus estudios y obtuvo la licenciatura, en la HEAD. Desde hace dos años vive y trabaja en Catania, donde ha concluido los estudios con el máster en artes visuales en la Academia de Bellas Artes. Comprendió que su verdadera inspiración provenía de Sicilia, su tierra de origen. Emprendió así una suerte de viaje a la inversa, pasando del norte al sur de Europa, y sintió la necesidad de no perder la cultura de origen. Este dualismo nacional y existencial, esta doble ciudadanía, con la contradicción que de ello se deriva, se sitúan en la base del conflicto equilibrado entre fuerzas que su obra pretende expresar. Como inspiración técnica adicional, trabaja como proyectista de montajes y responsable técnico para comisarios, galerías y museos internacionales, como para el Pabellón Armenio en la 56.ª Bienal de Venecia y para la Fondazione Sandretto Re Baudengo. En mayo de 2021 inaugurará una individual en la galería Massimoligreggi de Catania, mientras sus obras se han expuesto en Alemania, Suiza, Estonia, Francia y Finlandia, en sedes públicas y privadas.

Nacido en 1985, Francesco Fossati es artista visual y forager de plantas silvestres y alimúrgicas. Su investigación tiene como foco el respeto de la naturaleza y la sostenibilidad. Al realizar obras con el menor impacto ambiental posible, ha creado ecojardines, ha producido pigmentos y colores al óleo con sustancias naturales y ha utilizado prácticas de implicación social y mano de obra local para la realización de obras de arte público. Recientemente ha dado vida a una artoteca ecosostenible en el Porto Museo de Tricase (LE), ha participado en la muestra «Solstice», comisariada por la artista estadounidense Judy Chicago, en la Turner Carrol Gallery de Santa Fe (NM), dentro del proyecto Create Art for Earth lanzado por Hans Ulrich Obrist junto con Judy Chicago y Jane Fonda. Ha apoyado la transición del Institute of Contemporary Art de Los Ángeles para convertirse en el primer museo alimentado íntegramente por energía solar y, en los últimos meses, ha lanzado una experimentación compartida de colores al óleo naturales de producción propia.

Nacida en Turín en 1989, Alina Vergnano vive y trabaja en Gotemburgo, en Suecia. Su trabajo se ha exhibido en muestras individuales y colectivas en Italia y en el extranjero. Entre las exposiciones recientes se incluyen Gallery Thomassen (SE), Stene Projects (SE), Galleria Renata Fabbri (IT), Cabinet Studiolo (IT) y S.P.G. Gallery (SE). «Mi práctica artística investiga la interioridad y la conciencia humana en sus diversas manifestaciones, como emociones, memorias o deseos, y explora su naturaleza transitoria y cambiante», cuenta Vergnano. «La figura humana es central en mi trabajo, que sin embargo se sitúa en ese espacio liminal entre figuración y abstracción, donde el cuerpo puede ser claramente legible o quedar reducido a una simple huella o signo. En las obras – sobre papel, tela o cerámica – nunca está presente una narrativa clara sino que, más bien, en ellas momentos separados en el tiempo llegan a converger sobre una superficie bidimensional del lienzo, donde la complejidad conceptual queda aparentemente simplificada en el signo gráfico propio del dibujo».

6.º clasificado: Chiara Ventura

«Me intrigan los comportamientos, en especial los automáticos, involuntarios, incontrolados. Indago las correspondencias entre las condiciones físicas y psíquicas, entre los movimientos y la emotividad», así describe Chiara Ventura su trabajo. «Actúo en los lugares incómodos y desprotegidos, dentro de mí, fuera de mí. Indago las modalidades de recepción de la realidad circundante concentrándome en las capacidades de observación en los contextos cotidianos, de rutina; también por esto mi gesto es a menudo mimético», continúa la artista, nacida en Verona el 19 de junio de 1997 y, actualmente, en la Academia de Bellas Artes de Verona. «Encuentro en la repetición el tiempo de la comprensión y en la mirada del otro el sentido del hacer arte. Mi trabajo es una indagación continua sobre lo que atañe a la empatía, el sí mismo, la acústica, los gestos, el cuerpo, el espacio del pensamiento, la mirada, la violencia». Entre los proyectos y las exposiciones más recientes se señalan la individual en el Spazio Cordis de Verona y las colectivas en la Baroque Gallery de Teherán y en el Bastione Sangallo, en Fano. Ventura es también cofundadora de dos colectivos artísticos: Collettivo Plurale y menodi30caratteri.

7.º clasificado: Laura Fortin

Nacida en Padua el 16 de octubre de 1979, Laura Fortin vive y trabaja en Turín. «Mi investigación indaga lo femenino, cuerpo y cabeza. Es una mirada despiadada sobre aquello que las mujeres normalmente no exhiben, por conveniencia o por una educación impuesta», cuenta la artista. «El protagonismo infeliz, la neurosis, la extrañeza, la soledad del propio rol en espacios casi bidimensionales, poco acogedores, distantes; proscenios de una dimensión psíquica absoluta donde se desarrolla una resistencia femenina despiadada, pero no feminista. Estas mujeres son protagonistas de carne incluso descolgada, o miradas deformadas en las intenciones, pero en ellas existe esa maravilla de fondo que las salva del biempensantismo burgués de fachada y quiere hacer pensar que en la propia identidad está siempre la única posibilidad de redención». En 2019 es finalista del Combat Prize de Livorno, desde 2018 está representada por la galería Rizomi de Parma y, desde 2021, por la galería Art base Gallery de Wiesbaden, Alemania.

8.º clasificado: ex aequo Gregorio Samsa, Francesco Piva

Gregorio Samsa es un dúo artístico que se define como un único artista. Ha realizado exposiciones individuales en Turín, Roma y Milán. Utiliza vídeo, esculturas, collages de telas, bordados y elementos de mobiliario para crear recorridos visuales construidos como juegos de espejos con un fuerte sentido de ambivalencia. Lo verosímil, zona de sombra entre realidad y paradoja, está en el centro de la reflexión del artista, que se estructura a través de un atento trabajo de manipulación. Partiendo de filmaciones recuperadas en la web, Gregorio Samsa altera el dato real e inserta en él sus propios trabajos, en un continuo reenvío de las obras entre un dentro y un fuera, entre realidad y ficción. En cada proyecto expositivo el vídeo se convierte en el lugar donde lo real se injerta con lo posible, y ofrece al espectador una realidad alternativa con el objetivo de desencadenar nuevas lecturas poéticas. Ha expuesto en diversas sedes, entre ellas AlbumArte en Roma y el Museo Fattori de Livorno, como finalista del Premio Combat en 2016 y en 2020.

Francesco Piva vive y trabaja en Venecia, ciudad en la que nació, en 1991. En 2016 se licenció en Nuevas Tecnologías del Arte en la Academia de Bellas Artes de Venecia. En los años de formación ha experimentado distintos lenguajes, realizando proyectos fotográficos, vídeo, instalaciones site-specific e instalaciones sonoras. Empieza así a indagar el paisaje urbano, el virtual y digital de la red y los instrumentos tecnológicos de nuestro tiempo. Actualmente se está dedicando al estudio del paisaje sonoro y a distintas prácticas y experimentaciones con el sonido. En agosto de 2020 participó en el proyecto de residencia In-Edita – Art Studios DEDALO, comisariado por Venice Galleries View en Forte Marghera (VE), a raíz del cual empezó a colaborar con la Marina Bastianello Gallery, Mestre (VE).

 9.º clasificado: Adonai Sebhatu

Clase de 1986, Adonai Sebhatu vive y trabaja en Bolonia. De origen eritreo, pone al servicio del arte su testimonio de hijo de inmigrantes de segunda generación y desarrolla, en la investigación artística, su propia vivencia. Es el espacio lo que sugiere al artista, el ambiente y los elementos que en él se encuentran. Madera, metal, piedra y plástico se elaboran y se mezclan en nuevas formas y figuras, en espacios cerrados o al aire libre, ateniéndose a lo real o recurriendo a lo virtual, en busca de una nueva identidad que se vuelve acogedora, sin descuidar ningún elemento y desarrollando nuevos puntos de vista artísticos. Su producción se concentra en una mezcla de códigos visuales en la que a las técnicas clásicas y tradicionales se alternan el uso y la puesta en escena de objetos recuperados y de componentes electrónicos, bajo el signo de una nueva representación que, en la mediación entre pintura, dibujo, escultura e instalación, encuentra un equilibrio fecundo. En 2019 fue ganador de la Coppa Luigi de la XI edición del Premio Nocivelli. Ha expuesto, entre otras sedes, en el Palazzo Martinengo de Brescia, en el Complesso monumentale di Santa Sofia, en Salerno, y en la Galleria del Carbone de Núremberg.

10.º clasificado: Ketra

Elena Pizzato, de nombre artístico Ketra, nació en Bassano del Grappa, en 1979. Diplomada en la Academia de Bellas Artes de Venecia con matrícula de honor, desarrolla su investigación sobre el cuerpo y sobre las modificaciones artificiales, y experimenta con múltiples materiales y medios. Durante una residencia artística en Holanda, profundiza en los conceptos de fetiche y de estética inorgánica inspirándose en el tratado de Mario Perniola, Il sex appeal dell’inorganico. Desde la estroflexión hasta la escultura, y llegando a la instalación y al vídeo, Ketra destapa un submundo poblado de muñecas despojadas de sus crinolinas tranquilizadoras y revestidas de látex, espejos que aluden a secretos inconfesables más que a la madrastra de Blancanieves, puños americanos transformados en balancines, corsés aprisionados en cuadros de pvc y tachuelas, agarradores de ganchillo realizados por la abuela de 93 años con inscripciones transgresoras. Cuento negro y realidad contemporánea se entrelazan con ironía, y revelan la impronta femenina y esotérica de Ketra.