Fabrice Bernasconi Borzì es el ganador de la sexta edición de exibart prize EP6.

Le siguen Jacopo Dimastrogiovanni y Stefano Cescon.
Esta es la lista de los 10 primeros clasificados

Tras varios años de permanencia constante entre las 10 primeras posiciones del premio, Borzì conquista la parte más alta del podio.
Con esta victoria, el premio promovido por exibart confirma el valor de la trayectoria como elemento imprescindible de juicio.

1. Fabrice Bernasconi Borzì

2. Jacopo Dimastrogiovanni
3. Stefano Cescon
4. Luciano Sozio
5. Giuseppe Marinelli
6. Paola Cenati
7. Rafa
8. Plurale
9. Xinhan Yú
10. Samuel Di Blasi

Fabrice Bernasconi Borzì

Fabrice Bernasconi Borzì es un artista italo-suizo, nacido en Ginebra en 1989. Desde 2018 vive y trabaja entre Catania y Roma.
Este traslado es para el artista una especie de viaje de regreso, inverso al que han emprendido tantos otros coetáneos suyos: en el paso del norte al sur de Europa intenta recuperar una alteridad cultural, propia de los lugares de origen, funcional para su trabajo de artista. Este dualismo nacional y existencial, esta doble ciudadanía, con la contradicción que conlleva, se sitúa en la base del equilibrado conflicto de fuerzas que su obra pretende expresar.
Los elementos formales que utiliza son, la mayoría de las veces, simples, mínimos o despojados de potencia, casi para subvertir lo «habitual» mediante un lenguaje paradójico y en ocasiones provocador, de matriz dadaísta, que no desdeña la cita ni la recuperación. La intención es clara, porque desarrolla una serie de preguntas sobre el sentido mismo del «hacer», sobre sus presupuestos conceptuales implícitos y sobre cómo se interpreta todo esto dentro del sistema actual del arte. A partir de estos presupuestos emprende una reflexión sobre los seres humanos y sobre su alienación de la existencia, en una dicotomía que recoge políticamente la tradición del conflicto entre fuerzas productivas y sociales, frente a los poderes hegemónicos y capitalistas.
La suya parece ser una especie de filosofía de la idiotez, cuya estructura lingüística —a menudo formas precarias y ensamblajes improvisados— es el resultado de una oximorónica «disciplina de lo provisional» que por momentos recuerda cierta intención intelectual de détournement situacionista visto desde la perspectiva procesual de un conductismo riguroso y metódico. Una contradicción en los términos que lo lleva a trabajar, con obstinada disciplina, conceptos complejos como la pérdida, la precariedad y la resiliencia, ocultos bajo el estratagema expresivo de una ironía mal disimulada. En estas condiciones, nihilismo e historia, derrotismo y teleología son un todo, y dan lugar a una forma de resistencia activa y catalizadora. Es la conjunción de filosofía y revuelta, de credo, de subversión y pertenencia. Política y poesía en el gesto crudo de mantener el equilibrio a pesar de la evidencia de los hechos.
Fabrice Bernasconi Borzì se considera «una esponja y un ladrón de ideas, pero que trabaja duro para ser, de verdad, lo que es».

Jacopo Dimastrogiovanni

A través de la pintura pretendo desarrollar una reflexión sobre el Hombre, con el fin de indagar las razones y los efectos de las inquietudes que lo caracterizan y que atormentan su propia naturaleza.

He colaborado con galerías en Italia y en el extranjero, entre ellas Mondoromulo Arte Contemporanea (Castelvenere – BN), Zaion Gallery (Biella), ISOLO17 (Verona), D.Gallery y CRAG (Turín), Galleria Pugliese Arte (Florencia), Galleria Il Castello (Trento), Anywhere Art Company (Nápoles), Molesworth Gallery (Dublín, Irlanda).
Tras la experiencia en la 54.ª Bienal de Venecia (Pabellón de Italia, Turín), en 2013 fui invitado a exponer en el MART – Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, en el marco de la muestra In risonanza. Istantanee di creatività nel cervello, comisariada por Francesca Bacci y Gabriele Lorenzoni. En 2015 presenté mi trabajo en el St James Cavalier Centre de La Valeta (Malta) con motivo del proyecto Afterselfie – beyond masks, comisariado por Carolina Bortolotti. En 2019 gané el Premio Residencia en el Artkeys Prize, gracias al cual al año siguiente realicé una individual en el Castillo Angevino-Aragonés de Agropoli (SA). En 2022 fui seleccionado entre los finalistas del Arte Laguna Prize 21-22 y expuse al año siguiente en el Arsenale de Venecia. En 2024 y en 2025 fui incluido entre los finalistas del Exibart Prize.

Desde 2014 soy profesor de pintura y dibujo en Trento, ciudad en la que vivo y trabajo.

Stefano Cescon

La investigación artística me ha llevado a reflexionar sobre el papel de la naturaleza y del tiempo: desde la materia símbolo de esta práctica (una mezcla de ceras purísimas) hasta la elección de los pigmentos naturales, tierras o minerales.
Este aspecto hace que todo el trabajo sea receptivo y absorba los «sismos» que proceden de condiciones externas durante la ejecución, como el lugar y el ambiente en el que opero.
Esta acción metapictórica se transforma entonces en una reinterpretación personal de estas sugerencias y adopta los rasgos típicos de un rito cotidiano, una deposición de pensamientos que se superponen en un tiempo suspendido.
Lo que me interesa expresar es un delicado equilibrio entre lo poético y lo material; este se hace portavoz de una historia sedimentada a lo largo del tiempo: como las páginas de un gran libro que contienen en su interior tanto la orogénesis de un relieve montañoso como una memoria pictórica constitutiva de nuestra identidad.
El resultado es un cuadro hecho de matices de color, un elemento que ya en su definición es difícil de comunicar. Como en la música, cuando intentamos definirlo chocamos con los límites de nuestro lenguaje, porque el color en la naturaleza es una transición y es fundamentalmente asimilable al tiempo, al no actuar en el aquí y ahora.
Este «fluir» de mi práctica, como un ritmo sugerido por las mareas del material, hace que cada obra sea secuencial respecto a la otra: de este modo se evidencia una narración orgánica (tanto metafóricamente como en los hechos) en la que cada trabajo representa idealmente una célula de un sistema más vasto y potencialmente infinito.
Las reglas de diferencia y repetición propias de la naturaleza son comunes y están en la base de mi investigación: es interesante observar cómo un proceso basado en estas normas simples produce un «organismo» complejo dado por la variedad de matices causada por la réplica de un esquema.
Cada experiencia lleva consigo los frutos de la anterior, siguiendo así una escala infinita.

Luciano Sozio

La práctica artística de Luciano Sozio se arraiga en una proyección minuciosa y precisa. Cada una de sus obras nace, de hecho, de un proceso de investigación que parte de un atento estudio de los materiales y de la elaboración de los pigmentos utilizados. Un proceso calibrado y preciso, a través del cual el artista explora el sentido de precariedad que acompaña toda la existencia y el misterio que la rodea. El medio pictórico se convierte así en un lenguaje poético, que se abre paso entre las dimensiones de sus trabajos, suspendido entre el silencio tranquilizador y la inquietante espera. De sus sujetos emergen huellas de nuestro presente, inmersas en una pausa a media altura, cargada de tensión, que congela un momento en el que parece que algo está a punto de suceder: un acontecimiento que, en el intervalo de ese instante, amenaza con romper la simetría de los fenómenos. En cada una de sus obras, la belleza toma aliento y aflora a través de la fragilidad intrínseca de todo lo que existe, suspendida entre la tangibilidad de la materia y la evanescencia de otras dimensiones.

Giuseppe Marinelli

Giuseppe Marinelli (Castellana Grotte, 1990) concluye su trayectoria de estudios en 2019 tras haber cursado Pintura en la Academia de Bellas Artes de Bari.
Durante su formación concentra su investigación artística en las técnicas de la pintura tradicional y profundiza en los temas que durante siglos han sensibilizado a generaciones de artistas, como los bodegones, la figura humana y el paisaje, prestando especial atención al dato compositivo.
Además de la pintura, Giuseppe Marinelli ha trabajado también mediante lenguajes experimentales que tienen como protagonista la materia orgánica como medio expresivo.
Actualmente vive y trabaja entre el Véneto, el Trentino y Apulia, territorios que estimulan su arte porque le permiten estar en contacto con la naturaleza, que se convierte en el tema central de sus obras en distintos ciclos de trabajo.
El reino animal tiene mucha importancia para el artista, lo que lo ha llevado también a experimentar a través de la escultura: partiendo del cráneo de un animal, completa su anatomía con un hilo de acero trenzado a mano, como si fuera el trazo continuo de un lápiz que deja su huella sobre una hoja.
Desde 2013 participa en numerosos proyectos expositivos organizados en espacios públicos y privados, entre Bari, Roma, Turín, Venecia y también en el extranjero.
Su primera exposición individual, titulada «LA PELLE NOMADFE DELLA PITTURA», se celebra en Bari en 2018 en la galería «VERNICE ARTE».
Expone en Paratissima 2023 con la muestra «ECDISI – le infinite mute dell’animo» en la Cavallerizza Reale de Turín y es premiado en la misma ocasión con el CONTEMPORARY VISION PRIZE, que lo lleva una vez más entre los protagonistas de la art week turinesa en 2024, esta vez con el proyecto «TUNE IN» en las Palazzine di Corso Mortara.
En su última exposición individual, titulada «INTERSTIZI ENTRIOPICI», celebrada en el Palazzo Cozzolongo de Turi (BA), indaga el tema del desorden y presenta composiciones caóticas entre varios dibujos a tinta china y pinturas.

Paola Cenati

Su práctica reflexiona sobre la relación con el lugar y con el objeto que forma parte de él. Elementos hallados y recogidos poseen determinadas características intrínsecas y se convierten en fuente de investigación para su trayectoria artística. El trabajo de Paola parte de la necesidad de invertir su propia visión del lugar en relación con el mundo circundante, tomando elementos que habitan el paisaje y trabajando aspectos propios y opuestos a ellos. El vínculo directo con el lugar llega a ser capaz de activar una dimensión existencial y un proceso de transformación útil para una comprensión otra e imaginativa del mismo mediante el uso de elementos instalativos. En el trabajo de Paola, el regreso al uso de técnicas tradicionales lleva a una mejor comprensión de la realidad y de las raíces de las que procede. Su investigación se centra en encontrar lo invisible en lo visible, creando una mirada que se construye al entrar en relación con el paisaje. El conjunto de la obra se plantea como una reflexión sobre el lugar y sobre el estado mental trasladado a la obra de arte escultórica e instalativa, a menudo evocadora de rasgos de abandono.

Rafa

La práctica de Rafael Triana indaga la construcción simbólica y material del territorio como sistema modelado por procesos de organización, control y experiencia colectiva. A través de instalaciones y obras basadas en el objeto, el artista examina el modo en que las estructuras espaciales se interiorizan y se reproducen, a menudo incluso antes de ser habitadas de forma consciente.
Trabajando con materiales de uso cotidiano y formas modulares, su investigación se desarrolla mediante estrategias de acumulación, repetición y desplazamiento, y hace emerger la tensión entre orden e inestabilidad. Lo que parece fijo se revela, en cambio, provisional, abierto a la transformación.
Más que una crítica directa, su trabajo propone un enfrentamiento reflexivo con los mecanismos que organizan la vida colectiva e invita a reconsiderar las estructuras que modelan la percepción, el movimiento y el sentido de pertenencia.

Plurale

plurale es un concepto. Nace en 2020 y se presenta como colectivo artístico osmótico, cuyos activadores de base son Leo Sophia (Verona, 1997) y Chiara Ventura (Verona, 1997). En 2022 publica el Manifiesto Gesto empatico, una declaración poética que afirma su estar-en-el-mundo, donde se sostiene la acción empática como el único medio hoy practicable para devolver a los seres y a las cosas iguales derechos y dignidad. Partiendo de la observación de la sexualidad y el placer como espacios políticos, crea imaginarios y rituales destinados a desmoronar una visión heteronormativa del cuerpo y a descolonizar el deseo. Reflexiona sobre los códigos estéticos y lingüísticos ligados a las últimas generaciones y estudia, en particular, el fenómeno trap italiano, analizando las problemáticas socioculturales actuales. plurale manifiesta intuiciones e instantes de claridad a través de gestos performativos, instalaciones, vídeo, música y proyectos editoriales, en una práctica cotidiana de confrontación con el mundo. plurale es coautor del libro SNITCH. Dentro la trap (Psicografici Editore, Roma) y ha publicado tres EP, SINTETICO. Musica di plastica per il futuro che è già, KRÓNOS, coproducido junto con TAI – Tuscan Art Industry (Prato), y Gesto 7. Ha expuesto, realizado performances e intervenciones en el Museo Nazionale della Montagna «Duca degli Abruzzi» CAI (Turín), el Tirana International Video Art Festival (Tirana), Galerie Utopia / 4lthangrund Cultural Center (Viena), el Mart – Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto (Rovereto), Viafarini (Milán), la Galleria ME Vannucci (Pistoia), Adiacenze (Bolonia), Roma Smistamento (Roma), Teatro 1 – La Pelanda, Mattatoio (Roma), entre otros. Además, ha colaborado con distintas realidades extraartísticas como el Centro Veneto di Psicoanalisi, la Comunità educativa Eldoardo&Esmeraldo de Verona, el Centro di Prima Accoglienza (CPA) del IPM de Bolonia y el Ernst Kirchweger-Haus (EKH) de Viena.

Xinhan Yú

Xinhan Yú obtuvo el Máster en Artes Visuales en la Academia de Bellas Artes de Bolonia en 2022. Actualmente vive y trabaja en Bolonia.
Yú trabaja con el vídeo, la instalación, la escultura y los medios basados en la imagen. Su práctica indaga las estructuras de poder y la violencia institucional, y considera la violencia no como un acontecimiento aislado, sino como una lógica sistémica incorporada. A través de mecanismos tecnológicos, simbólicos y rutinarios, sus obras analizan el modo en que el poder moldea la subjetividad, la memoria y el comportamiento. Texturas ásperas, humor y formas expresivas incisivas recurren en su investigación, junto con imágenes de la infancia, autoridades públicas, cultura de internet y sistemas propios de los videojuegos.
Su investigación arranca de las formas visuales cotidianas a través de las cuales los sistemas de autoridad se vuelven familiares: uniformes, juguetes, objetos ligados a la policía, símbolos públicos, mecánicas de juego, espacios de la infancia, imágenes familiares y materiales digitales de baja resolución. Estas formas parecen a menudo inofensivas, funcionales o lúdicas. En el trabajo de Yú, sin embargo, se convierten en elementos inestables, portadores de disciplina, memoria y control.
En lugar de tratar la violencia como una fractura visible, Yú la considera una condición que puede incorporarse a la rutina, al lenguaje, al entretenimiento y a la circulación de las imágenes. Un juguete puede asumir el papel de un dispositivo de vigilancia. Una mecánica de juego puede transformarse en un modelo de obediencia. El cuerpo de un niño puede revelar los primeros procesos de adiestramiento en la autoridad. Una imagen censurada o políticamente connotada puede reemerger de forma indirecta como forma, color, objeto o gesto.

Samuel Di Blasi

Samuel Di Blasi es un artista italiano nacido en 1975 en Alba.
Se formó en la escuela de Escultura de Riccardo Cordero en la Academia de Bellas Artes de Turín y en Londres, en 1999, perfeccionó su lenguaje artístico en el estudio del escultor japonés Noriaki Maeda.
En 2015 realizó «Lo Scalatore di Nuvole», una exposición individual en el Museo Nacional de la Montaña de Turín;
ganó en 2016 el Premio Nacional de Arte «Ora» y en 2018 realizó «Sognando Sogni», exposición individual en ADD-Art Gallery de Spoleto.
En 2021, en París, la Galerie Géraldine Banier expuso algunas de sus obras inspiradas en el vínculo entre el ser humano y la naturaleza durante la exhibición «For a better world».
En 2022, en Roma, en el Foro Itálico, presentó la obra monumental «Uomo Onda» con motivo de la 53.ª edición de los Campeonatos Europeos de Natación.
En 2023 Di Blasi realizó «La Nocciola», una escultura permanente realizada en acero y situada en Grinzane Cavour, en el Belvedere di Pepè.
Ese mismo año realiza la obra «Marsabit», una fundición en aluminio instalada de forma permanente en el Giardino Tablino de Alba (Cn).
En 2024 ideó y dirigió la película de arte «Uomo Onda by Samuel Di Blasi», finalista en el Golden Short Film Festival de Avezzano, en el Emerging Lens Cultural Film Festival de Dartmouth, en Canadá, y en el Serbest international film festival de Moldavia.
En el exterior del muro histórico del Ayuntamiento de Piscina (To) presentó la primera de una nueva serie de obras permanentes site-specific tituladas «Mitosi», que en 2025 aparecerán también en la Tammerkosken lukio school de Tampere, en Finlandia.
El 26 de noviembre de 2024, en Alba, desveló su última obra, titulada «Porta di Luce», una fundición artística permanente en aluminio de 51 metros de extensión lineal.
Vive y trabaja entre Alba, Pietrasanta y Pekín.